mercredi 6 novembre 2013

STAGE

Libération de la Voix

Le cri caché

Les chemins de la voix

Animé par

Juan Ramos

PARIS

Le 4 juillet 2020
de 10h à 17h

Le cri caché

Ce stage fait découvrir de manière ludique la potentialité cachée de la voix.

C’est une technique vocale qui consiste à prendre conscience

des différents aspects de la voix pour réunifier le corps et son mental.

Ce travail nous amène à retrouver, à travers la respiration et les sons, la profondeur des émotions qui libèrent l’expression créative ; le corps et la voix, ainsi réconciliés, retrouvent leur unité.

Ce travail s’effectue dans une dynamique de groupe, où chacun effectue sa propre recherche.

Les chemins de la voix

Respirer profondément

Je respire, je suis vivant

Prise de conscience des blocages

Lâcher prise

J’ai une voix, elle m’appartient

L’équilibre à travers la voix

Jouer avec ma voix
Explorer les voies de la voix

Libérer la créativité

Ma voix, un instrument de joie

Je libère ma voix
Je me libère

Je libère ma créativité

Renseignements pratiques

Dates

Le samedi 4 juillet 2020

De 10h à 17h

Une rencontre

90 €

Le lieu

Comédie Nation
77, rue de Montreuil

Places limitées à 14 participants

Pour vous renseigner

Pour vous inscrire

06 65 11 51 30
juanramoscambalache@gmail.com

TeDxVaugirardRoad

Juan RAMOS :

Je suis né à Buenos Aires, Argentine.

Je suis chanteur, comédien, metteur en scène et professeur de chant et de techniques de la voix.

Formé aux différentes techniques de libération de l’expression créative, (théâtre, danse, chant…), j’anime régulièrement des cours, ateliers et stages sur le travail de la voix.

J’ai travaillé pendant plusieurs années, en collaboration avec Maria Esther Sanchez, psychanalyste argentine, pour mettre au point ce stage de libération de la voix.

Quelques mots sur ma vision du travail du chant

La transmission du chant et de la
technique vocale pour les musiques actuelles

La pédagogie de la voix chantée dans nos pays occidentaux est le plus souvent directement issue de l'enseignement du chant lyrique. Même si des bases techniques communes existent, un bon chanteur lyrique est rarement un bon chanteur de rock et inversement.

Dans d'autres pays, notamment aux États-Unis ou au Canada, des pédagogues se sont, depuis quelques dizaines d'années, penchés sur les particularités techniques des musiques actuelles et du jazz. Mes vingt ans d’expérience comme professeur de chant m’ont amené à développer une technique vocale plus adaptée aux musiques actuelles.

Le chanteur de musiques actuelles est accompagné sur scène, le plus souvent, par un groupe de musiciens. Il se produit dans un environnement acoustique très bruyant.

La recherche commune à tous les chanteurs doit être la connexion de leur moi avec les artistes l’accompagnant sur scène et avec le public, afin que la musique devienne une émotion collective.

Mon travail s’adresse aux jeunes (à partir de 14 ans) et aux adultes (sans limite d’âge). Je propose des cours individuels ou en petits groupes (4 participants maximum), mais je suis aussi amené à animer des stages et des ateliers allant jusqu’à 14 ou 16 participants.

Le jeu, le plaisir et la découverte doivent être au rendez-vous pendant les cours, pour faciliter l’apprentissage, indépendamment du niveau de l’élève.

Après des années de chant sur scène j’ai compris que le chant est d’abord une action corporelle.

Mon premier constat en tant que professeur de chant est celui de la méconnaissance du corps par bon nombre d'apprentis chanteurs. Et pourtant, le corps est notre instrument. Comment alors ne pas s'y intéresser, ne pas chercher à l'accorder à nos besoins vocaux ? Je me suis donc penché sur le rapport corps-voix.

Les chanteurs, s’ils veulent que leur voix perdure dans l’exercice du métier se doivent de connaitre leur instrument pour mieux le protéger.

Le chanteur interprète : construction du personnage scénique

Etre chanteur, c’est être un interprète. Cela demande une forte présence scénique et la construction d’un personnage, comme au théâtre.

L’artiste-chanteur-interprète se doit d’être polymorphe. Il doit non seulement pouvoir chanter sur scène, mais aussi jouer avec les mots, donner du sens aux mots, créer une histoire. Il doit aussi savoir mettre la technicité vocale au service de l'émotion.

La scène doit devenir un espace de théâtralisation du répertoire chanté. Dans cette optique, le travail corporel de l'artiste-interprète est fondamental.

Le chanteur doit se préparer pour entrer en scène, il ne doit pas négliger la relation au public et à l'espace scénique. Toute cette préparation lui donnera la liberté intérieure, l'énergie et la dynamique nécessaires à l'interprétation.

J’amène mes élèves à explorer et à développer leur identité et leur créativité d'interprète. Je mets à leur bénéfice mes compétences acquises grâce à mon travail dans la comédie musicale, au théâtre et en dansant.

Je leur fais expérimenter diverses approches du travail corporel permettant de développer l'aisance, la détente, la concentration et l'énergie, ainsi que les qualités de présence et de mouvement.

- Je leur fais faire un travail sur l’espace et sur le mouvement comme outils d’expression pour transmettre l’émotion.

- Je les aide notamment à balayer toutes tensions qui constituent un obstacle à l’interprétation et à la transmission de l’émotion (notamment au niveau du visage).

- Je les fais aussi travailler sur l’entrée-sortie de scène et sur l’intervalle espace-temps entre deux chansons.

- Je leur apprends à développer la posture intérieure qui permet d'être à la fois pleinement soi-même, en contact
avec ses sensations et ses émotions, et au service d'un propos artistique.

- Je leur demande aussi de mesurer leur interprétation sur scène, d’être critiques envers eux-mêmes.

La voix en scène

J’apprends à mon élève qu’avant d’utiliser son instrument vocal, il faut le préparer, le mettre en place, l’harmoniser, positionner ses vertèbres par quelques rotations, vérifier ses appuis et son maintien. Tout cela se fait en quelques dizaines de secondes, ensuite il peut se laisser aller à chanter.

Il ne faut que quelques minutes pour chauffer la voix. Quelques petites vocalises, une petite chanson suffisent largement pour mettre en place l’appareil de phonation.

Il ne faut pas fatiguer la voix avant une prestation en faisant des longues vocalises ni se prêter à de longues répétitions générales le jour même du concert. La voix se fatigue, comme se fatiguent également les muscles d’un athlète, ainsi j’appelle mes chanteurs les athlètes de la voix. Il faut savoir se reposer avant l’effort.

Le chanteur doit éviter la tension musculaire laryngée et corporelle. Parfois une simple inspiration profonde suffit pour détendre le corps et l’appareil de phonation. Le corps libéré ne fait que métamorphoser le souffle en son, en musique, en plaisir.

Conclusion

La maitrise de la voix dépend de l’expérience du chanteur et de la bonne technique vocale apprise pendant sa formation.

La technique doit permettre au chanteur de se servir de son instrument sans contrainte, comme il veut, quand il veut, en connaissant ses limites.

Je transmets également à mes élèves que le chant est une gestuelle. Apprendre à chanter, c’est apprendre à son corps à être un instrument de musique qui résonne et qu’on contrôle.
La technique n’est que le chemin qui conduit le chanteur à trouver toute son expressivité.

Le chanteur doit dominer sa voix, mais il doit éviter que sa voix le domine.

Pour moi, le but du travail vocal avec un chanteur n’est pas seulement la maitrise technique, le but ultime est de donner de la liberté à sa voix.

JUAN RAMOS "Les chemins de la voix"

mercredi 6 novembre 2013

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Le cri caché

Les chemins de la voix

Livre d'or